La composition est basée sur des lignes directrices qui guident l'oeil du spectateur. La construction du tableau est faite suivant un schéma précis, et il faudra comprendre pourquoi le peintre a placé les différents éléments dans sa peinture.
La composition dans la peinture commence toujours par une figure géométrique. La forme, la plus utilisée par les peintres est le triangle, ainsi que la croix. Ce sont les formes simples et très claires. Elles sont très faciles à déterminer par notre cerveau.
Il faut en repérer la source, l'auteur, la date de publication, le champ (population étudiée, date des données, lieu concernant les données). Il s'agit ensuite de comprendre les données. Pour cela, il peut être utile de repérer le total en lignes ou en colonnes. Enfin, il faut analyser les données du tableau.
Composition peinture : mélange composé de liants, de charges, de pigments, de solvants et de divers adjuvants. Le liant ou la résine permet de lier intimement les charges avec les pigments. Ces différentes matières premières donnent ainsi la véritable structure de fond de la peinture.
La règle des tiers, rien de plus simple pour structurer sa composition en peinture! Puis, de placer les éléments d'intérêt sur ces lignes et intersections afin de rendre la composition plus dynamique. Les lignes et intersections agissent en quelques sortes comme des champs de force qui attirent notre œil.
Présenter l'œuvre et son auteur :
L'auteur : nom et prénom date et lieu de naissance et de mort • Le titre • La date • Les dimensions (préciser s'il s'agit d'un extrait) • La localisation (musée ou collection) • Le lieu représenté si c'est possible • La technique et les matériaux, le support : peinture ou sculpture.
Le cadrage induit un plan de I'image (gros plan, plan d'ensemble, etc.) et un angle de vue (en plongée, contre plongée, frontale). Angle de vue : Il correspond à la position de l'observateur par rapport au sujet de l'image. Vue en plongée : L'observateur est placé au-‐dessus du sujet.
Pour analyser une œuvre sans émotion, commencer par regarder attentivement ce qui se trouve sur la peinture, et ce qui ne s'y trouve pas. Regardez cette dernière dans sa globalité pendant un long moment, puis focaliser vous sur les détails.
ON COMMENCE PAR IDENTIFIER LE TABLEAU Titre du tableau: il peut nous expliquer le tableau Artiste: qui est-il? Date: à quelle époque a-t-on peint le tableau? (contexte historique) Format: grand(e) / petit(e) tableau/sculpture… Nature: peinture, sculpture, photographie, gravure, dessin, collage…
La composition est claire et ordonnée. La règle des trois unités imposée aux œuvres classiques doit être respectée : unité de temps, unité de lieu, unité d'action. Cela peut sembler évident de nos jours. Mais avant un même personnage pouvait être représenté plusieurs fois dans le même tableau.
Conseil : prendre des peintures appartenant à des courants opposés et assez distants dans le temps ; la comparaison est facile car la différence technique saute aux yeux.
Le type de l'œuvre est lié à la technique utilisée pour sa création. Ainsi, lors de la présentation d'une œuvre, on précisera s'il s'agit d'un dessin, d'une peinture, d'une photographie, d'une gravure, d'une sculpture, d'une installation ... Une œuvre figurative.
Pour analyser une œuvre du point de vue des couleurs, il faut mettre en évidence leur répartition, leur intensité ( + ou - saturées) les contrastes et les contacts. Vocabulaire et repères pour l'enseignant : Palette : L'ensemble des couleurs utilisées. Identifier et nommer les couleurs.
L'analyse plastique de l'œuvre porte plus précisément sur sa composition et sur les caractéristiques de l'exécution. L'étude de la composition doit faire valoir les moyens plastiques particuliers mis en œuvre par l'artiste (lignes de construction, lumière, couleur, volumes) et souligner la cohérence de ses choix.
Les principes de la composition sont les lignes directrices selon lesquelles les éléments de base d'une œuvre (la couleur, la valeur, la ligne, la texture, la forme, le volume et l'espace) sont disposés et analysés.
Le côté vertical du carré absorbé par le format est qualifié de « ligne de force ». Cette ligne de force est située approximativement au tiers (en fait 0,71 au lieu de 0,67) de la composition, et cette proportion a donné naissance à la règle des tiers.
Placez une source de lumière sous votre toile ou au sol pour un effet dramatique. Disposez quelques spots de lumière au-dessus de votre tableau pour faire ressortir le sujet de votre toile. Faites attention au reflet de la lumière dans le vernis de la toile ou bien sur le verre si l'œuvre est encadrée sous verre !
La peinture à l'huile se dilue avec des médiums à base d'huile ou de solvant, et se nettoie avec des solvants ou de la térébenthine. La peinture à l'acrylique se dilue à l'eau ou avec des médiums qui peuvent eux-mêmes être allongés d'eau. Le matériel et les pinceaux se nettoient également à l'eau.
Pour un résultat plus flou et évanescent, l'artiste utilise une technique dont il a le secret : le sfumato. Un effet vaporeux donnant au sujet des contours imprécis, obtenu grâce à une superposition de glacis ultrafins, d'une épaisseur d'un millième de millimètre chacun !
Le concept de l'art abstrait réside surtout sur l'expression et l'émotion. Autant celles ressenties par l'artiste que par le spectateur qui découvre l'œuvre. L'art abstrait, aussi appelé art non figuratif, en peinture, est une forme d'expression visuelle sans aucun repère littéral et représentatif.
Dans la peinture, l'admoniteur est le personnage qui regarde, apostrophe le spectateur et l'invite à participer au tableau.
- Présentation générale de l'œuvre: son titre, son auteur, sa nature, ses dates, son lieu de création/ de conservation, ses dimensions, le courant artistique auquel elle appartient (exemples : impressionnisme, hyperréalisme…) …